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Corrieron muchas leyendas en torno a esta obra, relacionadas con la frivolidad del rey Felipe IV y su afición a las religiosas, o los amores de otro de los hombres más poderosos de este reinado, el fundador del convento, en el que su antigua prometida era priora y que tuvo problemas con la Inquisición.

Pintado en el momento en que Velázquez acaba de volver de Italia, muestra el aprovechamiento con que ha aprendido la lección del clasicismo romano en la anatomía, suave y delicada, casi sin rastros del martirio, de un hombre en reposo, más que muerto.

Frente a la interpretación teatral que otros pintores, como Rubens, o escultores, como los imagineros españoles, solían dar al tema, Velázquez hace un alarde de contención, suprimiendo cualquier elemento que pueda distraer nuestra atención de la figura. No hay otros personajes, no hay paisaje y la sangre es muy poca. Con todo esto Velázquez consigue una imagen mucho más concentrada y de mayor fuerza.

El cuadro inspiró uno de los poemas más famosos de Miguel de Unamuno, que lleva por título El Cristo de Velázquez.

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